LOS COMUNEROS

Autor: Alvaro Ricardo Herrera

Técnica: Fotografía

Ciudad: Cali

Descripción: El Proyecto “Los Comuneros”  surge de un interés por explorar momentos de la historia Colombiana, que de una u otra forma no son los de mayor difusión pero que sí constituyen piezas claves en los procesos de libertad, configuración de la nacionalidad y lucha por el cambio social. Es así como me encuentro con la figura de José Antonio Galán, líder de los movimientos comuneros de 1781.

De los momentos de la vida de Galán, el que más impacta es su etapa final. No solo la traición a la cual se ve sometido todo el movimiento de los Comuneros, sino su asesinato y el posterior desmembramiento de su cuerpo.  Ese episodio trágico de las primeras luchas por la libertad,  resuena de una manera poderosa, a la luz de tantas historias violentas de nuestro país.  En un país donde las fragmentaciones no son solo corporales sino de pueblos y familias, es una premisa buscar estrategias efectivas de reconstrucción de ese tejido social maltratado y el arte puede acercarse a esto de forma efectiva.

En el proceso de esta obra utilicé la premisa de visitar cada uno de los municipios a los que fueron enviados partes del cuerpo de Galán, y en ellos, según la parte enviada, tomar fotografías parciales a sus habitantes. A Guaduas, Cundinamarca, llegó su cabeza, mientras que a cuatro municipios de Santander, todos simpatizantes de la causa comunera, fueron enviadas las otras partes. A  Mogotes, la pierna izquierda, a San Gil el brazo izquierdo, a Socorro el brazo derecho y finalmente a Charalá, la pierna derecha.  Este último pueblo, lugar de nacimiento de José Antonio Galán. Esta primera etapa del proyecto se llevó a cabo entre los años 2007 y 2008.  Posterior a esto el proyecto quedó almacenado en las carpetas de mi archivo, y siguió madurando hasta que en el 2010 cuando se construyeron los primeros 30 fotomontajes, reconfigurando las fotos antes tomadas, de ahí en adelante le sobrevino otra una etapa de silencio y volvió a quedar en el olvido. Solo hasta este año a la luz del confinamiento y de una revisión de imágenes de ideas, decidí retomar las fotografías inicialmente para ser expuestas en papel y construir con ellas una foto secuencia en video. Esta nueva materialidad, me habla de otros procesos, de largo aliento y de cambios en el mundo, de accesos distintos, de posibilidades de difusión de las ideas que hace 10 años no eran tan claras. La obra, como la gente, el pueblo y sus luchas, tuvo que cambiar en estos años. El resultado que hoy presento es una pieza nueva, inédita, que puede ser expuesta por primera vez en Bugarte y que por las condiciones encuentra en ese espacio un lugar apropiado, pues es en sí misma un híbrido en entre video y foto, que no requiere de muros ni marcos, sino de un lugar en la Web.

Reseña Biográfica: Artista multidisciplinar, docente e investigador. Con líneas de creación e investigación en Arte Urbano, Estudios del Performance e Investigación Artística. En el campo de la docencia combina la parte teórica e histórica junto con los procesos propios de las prácticas artísticas actuales, como la fotografía y las diversas técnicas del Grabado. Su obra se encuentra en las colecciones de varias instituciones, así como también se encuentra reseñada en diversos catálogos y publicaciones especializadas.

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SER SUMAPAZ

Autor: Gerardo Gacharna Ramirez

Técnica: Escultura

Ciudad: Bogotá

Descripción: Nació a partir de un ejercicio colectivo de diálogo entre proyectos. Por ello, está directamente conectado con la canción de carranga «El páramo no se vende» por Gildo y los Paramunos ( https://youtu.be/-fPkQFbifvM ). Representa la relación de mutua constitución páramo/campesina/campesino y su defensa como forma de existencia.

Reseña Biográfica: Gerardo nació y vive en Bogotá. El plegado del papel, y otros materiales, es su forma de expresión artística; frecuentemente se apoya en las matemáticas para lograr crear sus piezas. A través de su obra, Gerardo declara su fascinación por las artes, y su potencial para sensibilizar y cuestionar, así como por lxs artistas junto a su capacidad de ver y pensar el mundo de otras maneras. Actualmente está estudiando el Doctorado en Ciencias Humanas y Sociales de la Universidad Nacional de Colombia; aunque no ha tenido estudios formales en artes, sí ha tomado talleres y cursos independientes en temas como diseño en papel, apreciación en artes visuales y la creación colectiva en el teatro. Él ha exhibido en bibliotecas e instituciones universitarias, incluyendo una exposición individual en la Escuela Colombiana del Diseño y las Artes ESDIART en el 2015.

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PERPETUACIÓN.

Autor: Miguel Angel Gonzalez Merchan

Técnica: Video Performance

Ciudad: Santa Sofía

Descripción: El alambre de púas como dispositivo de poder ha controlado, delimitado, torturado y fraccionado las masas. Principalmente como herramienta agrícola, su uso se trasladó a lo bélico  y se extendió por el planeta. En la actualidad vemos otros tipos de dispositivos de control para separar o pausar el movimiento, pero el alambre sigue siendo objeto de dominio.

En estos tiempos, el confinamiento se ve envuelto con una serie de tragedias sociales, la violencia y los problemas se agudizan, grupos armados, terratenientes, multinacionales y gobiernos, aprovechan la gran mediatización que ha obtenido el virus, para expropiar, explotar, destruir y liquidar. En otros casos en las ciudades la ausencia de libertad, impide generar ingresos a muchas familias, condenándolas a padecer de hambre, desplazándolas de su vivienda, vulnerando su acceso a las necesidades básicas. No es una casualidad, que en plena agitación social, los gobiernos culpen al virus de los problemas sociales, teníamos la esperanza que las cosas mejorarían pero no es así, con o sin pandemia se siguen violando los derechos humanos. Un virus puede matar a muchas personas, un conflicto puede devastar naciones, pero no se compara con lo que puede hacer un estado que asesina a su propio pueblo.

Resena Biográfica: Soy artista plástico – visual y gestor cultural. Más allá del medio artístico, utilizo el arte como excusa para llegar a reflexiones relacionadas con la identidad y el poder, a partir de la violencia y el narcotráfico. Intento fisurar en mi contexto a través de la empatía, utilizando mi discurso de investigación como puente en procesos de formación humana.

Me gradué en el 2018 como Profesional en Artes Plásticas con tesis laureada. Participe en la producción con PerfoArnet en la exposición Ebullición Basamento de Yury Forero en Estudio 74 2017, Cuatro Luchas por la Vida ArtBo Sección Arte Cámara PerfoArtNet Espacio Independiente 2018, VI Bienal Internacional de Performance PerfoArtNet 2018 – 2019. He participado en importantes eventos como El 11° Encuentro del Instituto de Performance y Política. II Encuentro – Festival Internacional de Performance de Manizales, Minga de Cuerpos. Mi obra ha circulado en espacios como: FUGA, Estudio 74, El Parche, No Automático, ISEM, Galería Santa Fe, Universidad de los Andes.

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PAISAJES BUROCRATICOS

Autor: Gabriel Jaime Correa

Técnica: Escultura

Ciudad: Medellín

Descripción: El paisaje empezó a incursionar en mi inconsciente, en obras como “paisajes burocráticos”, donde representé  la cordillera como una muralla que se levanta sobre un escritorio  narrando la transformación del  territorio y al mismo tiempo evidenciando la corrupción que hay detrás de ellos, espacio lleno de riqueza pero empobrecido por la burocracia, por el mal manejo de los gobiernos.

Reseña biográfica: Artista integral  autodidacta,  cree que la educación no es responsabilidad ni  de la familia, del estado, ni de la institución, la educación es responsabilidad del individuo. Exploro una variedad de técnicas que van desde: Pintura, escultura, performance, video, fotografía. Hago uso de objetos encontrados. El material reciclado es muy importante en mi obra, es un señalamiento a la producción industrial y desenfrenada de múltiples productos que podrían ser reutilizados y tan solo se convierten en basura. También es de suma importancia la imagen pensada desde el uso que se le da como medio de control de las masas.

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HUMANOFOBIA (MANTÉN LA DISTANCIA)

Autor: Salvatore Laudicina Ramirez

Técnica: Fotografía

Ciudad: Buenaventura

Descripción: El planeta se adapta a una nueva normalidad donde estar cerca del otro se convierte en un riesgo latente de contagio del COVID-19. Un distanciamiento social que empieza a desarrollar una fobia al otro, un miedo al contacto físico que deshumaniza a cada segundo. Un miedo que incluso llega a construir fronteras manuales para delimitar un territorio donde se quiere ser invisible.

La serie fotográfica Humanofobia explora esta territorialidad y busca reflexionar en torno a la resignificación de esa relación con los otros en el espacio urbano. Una relación que no volverá a ser la misma de ahora en adelante.

Reseña Biográfica: Salvatore Laudicina nace en Buenaventura (Valle del Cauca). Es Comunicador social y periodista de la Universidad Autónoma de Occidente de Cali. La fotografía es una de sus grandes pasiones. En 2009, su fotografía AfroFémina feliz obtiene mención especial en el concurso La foto más bella de Buenaventura. Participa en los laboratorios de Obra viva en la ciudad de Buenaventura (2008 y 2010) organizados por la Agencia Cultural del Banco de la República. En 2012, su serie fotográfica ‘Parteras: Patrimonio Cultural del Pacífico Colombiano’ es expuesta en la Biblioteca Luís Ángel Arango de Bogotá como artista seleccionado Buenaventura de ‘Imagen Regional 7’.

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OTRO LADRILLO EN LA PARED

Autor: Karlo Rojas Valencia

Técnica: Pintura

Ciudad: Buga

Descripción: ¿A dónde nos va a llevar este siniestro juego del odio y la mentira? ¿Qué hacer ante esta quimera convulsa y enferma, cuando las pantallas vomitan hoy sus más terribles ficciones al mundo real? Control sin control, banderas y guerras, masas de piel y hueso deformes por ira y hambre, y una inconcebible devoción al miedo. ¿vamos a mirar de frente esta farsa de luces y bocinas o vamos a seguir  con nuestra espalda en la pared?

Reseña Biográfica: Karlo Rojas Valencia, es un artista autodidacta. Su obra es una abstracción inspirada en la naturaleza. Se compone entre diversos elementos que juegan entre el  equilibrio de la forma y el color.  En 2018 presentó junto a Mikan, su primera exposición independiente que llevó por nombre «Alborada», una muestra compilatoria de sus 10 años de trabajo artístico. Ha participado en festivales y exposiciones colectivas a nivel nacional, como lo son el «Festival de cine y artes visuales Bugarte», la «Expocolectiva de artistas bugueños», el «Festival Lola Mora», entre otras.

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NI MARIAS NI EVAS, NI SANTAS NI PUTAS

Autor: Paula Andrea Silva Moncayo

Técnica: Fotografía

Ciudad: Quito

Descripción: La obra discute la imagen impuesta a las mujeres a través del canon religioso de María como símbolo de la pureza y validación femenina de un ejemplo «positivo» a seguir mientras a las mujeres como a Eva se las tacha de pecadoras, provocadoras y de «menor valor». Se mezcla a las imágenes y la simbología de ambas mujeres para crear un discurso sobre los estereotipos con los que nos han tratado de dividir siempre como mujeres; las santas y las putas.

Reseña Biográfica: Quito, 1997. Su infancia tuvo influencia de la pintura y el arte gracias a su madre. Egresada de la Carrera de Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Su línea de intereses de investigación-creación se centran en el género, las relaciones afectivas y la exploración del arte a partir de instalaciones, el cuerpo y objetos. Ha participado en exposiciones colectivas en Quito en el Centro de Arte Contemporáneo (CAC), Centro Cultural PUCE, el Centro Cultural Itchimbia y Santo Domingo de los Pedregales, México.

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COLOR ANHELO (Serie)

 OBRA 1 Título: EQUILIBRIO AMENO :    OBRA 2 Título: FLORES PARA CLAUDIA     OBRA 3 Título: INTENSIDAD ABORIGEN     OBRA 4 Título: DE CONCIERTO ORGANIZADO

Autor: Clemente Martinez Pinilla

Técnica: Dibujo a mano alzada digitalizado

Ciudad: Barrancabermeja

Descripción: Desde que inició el confinamiento, converso en mi reducido espacio a través de un universo de planos, formas, colores, líneas, sensaciones y emociones que se trenzan en estas acciones gráficas, queriendo descubrir algo, tratando de enunciar, de incitar encuentros, de abrir espíritus, de emocionar y quizás vibrar para aproximar el cosmos interior con mentes aventureras que deseen irrumpir a través de la comunicación energética que emite el color en esta eventualidad desemejante..

Los colores cálidos y fríos, que contienen la disposición de figuras, asemejan la alegría y la energía que navegan en las atmósferas internas que están confinadas colectiva mente anhelando la esperanza de un nuevo mañana en medio de esta pandemia global COVID-19

Ya veo: niños jugando, mujeres felices amamantando a sus hijos, transeúntes en sus calles, lluvia y rayos, fondos marinos, jardines, selvas, símbolos indígenas, pájaros volando, arroyos, bosques oscuros, el sol, el universo, las noches y sus estrellas, mis ancestros, entre otros.

Y tu… ¿qué ves? 

Reseña Biográfica: Clemente Martínez Pinilla “Cleto” nací en Barrancabermeja, Colombia, la tierra de POLLERA COLORÁ, Estudié diseño gráfico y me desempeño como artista independiente y formador de arte para niños y jóvenes en situación de desplazamiento y vulnerabilidad. Desde el año 2000 he participado con mi trabajo en diversas exposiciones, nacionales e internacionales.

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TRABAJO EN TIEMPOS DEL COVID-19

Autor: Sandra Silva
Técnica: Dibujo
Ciudad: Cali


Descripción: Trabajo en tiempos de COVID-19″ se concentra en caracterizar algunos
oficios y prácticas laborales informales que se volvieron susceptibles de desaparecer al
agudizarse la precariedad alimentaria durante la pandemia. Estos dibujos fueron hechos
con vinilo textil sobre bayetillas rojas aludiendo al trapo rojo que, durante la pandemia,
cientos de familias colombianas colgaron en el exterior de sus casas en puertas y ventanas
como símbolo de escasez alimentaria. En ese sentido, la obra da cuenta de la situación de
desigualdad social, abandono y desatención estatal que viven aquellas personas que
ejercen empleos informales, quienes durante el confinamiento no tuvieron más opción que
salir a buscar el sustento de sus familias, incluso, bajo el riesgo de contagio y penalización
por parte del Estado debido a que no poseen un mínimo vital.
Reseña Biográfica: Sandra Johana Silva Cañaveral (Pereira/Colombia, 1984) es
Licenciada en Artes Visuales con énfasis en dibujo, pintura e investigación artística,
Especialista en Artes Mediales y Doctora en Diseño y Creación. Ingresó en 2002 a la
Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Tecnológica de Pereira. Para la obtención
de su título de pregrado creó una instalación pictórica llamada Degradedos (2007), cuyo
principal objetivo consistió en la búsqueda de una estética del color en la muerte violenta
derivada del conflicto armado colombiano.
En 2009 gana su primera beca con Colciencias como joven investigadora en el campo de
las artes visuales. Desarrolla un proyecto en torno a la presencia del animal en el arte
contemporáneo del cual derivan dos propuestas artísticas: Fobia (2011)y Cuerpo expuesto
(2011). Como resultado académico surgen dos publicaciones: Los animales en el arte y la
hibridación como fundamento para la exploración creativa y El animal (y una flor) en el arte
contemporáneo colombiano.
En la actualidad se desempeña como profesora nombrada del Departamento de Artes
Visuales y Estética de la Universidad del Valle (Santiago de Cali) en el área de pedagogía y
educación artística. Pertenece al Grupo de Investigación, Creación en Artes y Educación
Artística (G.I.C.A.E.A). También ha impartido clases en programas de posgrado en artes
plásticas y visuales y en diseño social.

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RIGOR MORTIS / RIGOR VITA
Autor: Ana Gabriela Orellana Robalino
Técnica: Fotografía
Ciudad: Quito
Descripción: Este proyecto se dio en el marco de los primeros 3 meses de confinamiento
obligatorio durante la emergencia Covid-19. En esta serie se explora la identidad y la
percepción del «ser» atravesada por el encierro. Por medio del autorretrato monocromo se
intenta mostrar esta indagación y cuestionamiento personal que a su vez pretende
empatizar con emociones compartidas que atraviesan las personas de manera colectiva.
Reseña Biográfica: Quito 01 de Marzo de 1991 .Artista visual. Ha realizado exhibiciones
individuales en Centro Cultural Benjamín Carrión y colectivas en lugares como el Centro
Cultural de la PUCE, Museo Camilo Egas y No lugar. Ha participado en festivales de arte
en El Ensayadero y Casa Mou-jou. Emplea en su práctica diversos medios artísticos como
el dibujo, la fotografía, el grabado y el videoarte.

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EL SENDERO DE LA SAL
Autor: Natalia Hoyos Sanchez

Técnica: Fotografía

Ciudad: Cali

Descripción: El puente el Piñal en Buenaventura en el punto de partida de los barcos de
carga y pasajeros que zarpan hacia Timbiquí, el Charco, Guapi y Tumaco. Los barcos
salen a la bahía enfrente del puerto comercial, donde esperan la armada nacional que
inspeccione el barco y autorice para poder empezar a recorrer “el sendero de la sal”. Todo
se mueve lento, y el sonido del oleaje es lo único dominante, el sentir se eleva y las miradas
de los pasajeros se vuelven fraternas, se fija un código de asombro frente a la sólida
oscuridad que predomina en el horizonte. La única luz que vemos es la de los grandes
buques, y la luna que de vez en cuando siluetea el mar agitado. El sendero de la sal es el
océano, solo el capitán sabe leer sus caminos, en nosotros solo nace y vive el miedo, el
refugio, el agua, la humedad, y la sal.
Reseña Biográfica: Soy Productora Audiovisual formada en el SENA Regional Valle. CEO
y fundadora de Dazed Prod, empresa de medios audiovisuales dedicada a generar
contenido, para festivales, bandas y artistas musicales. Fotógrafa digital y análoga.
Actualmente (2020) Trabajó como investigadora para tres largometrajes y me empleo como
guionista de mi primer cortometraje como directora «Replica». He sido seleccionada para
exponer dos de mis proyectos análogos en la ciudad de Popayan – Colombia por el colectivo
contraluz de la misma ciudad en la segunda muestra «Espectro visible». Diseñó la portada
del álbum en vinilo «Emci Rimas» del artista Emci rimas de la ciudad de Cali.

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DON SANTIAGO. De la Serie El Hilo de lo Invisible.

Autor: Davinson Vera Morales

Técnica: Instalación

Ciudad: Cali

Descripción: El tejer tiene la magia de llevar a quien lo practica a tener momentos de catarsis e incluso, igual que en el arte, de construir una nueva mirada del mundo, una forma de ser ante sí y lo que le rodea. El acto de tejer se convirtió en una práctica que me ha ayudado en la reparación emocional, social y artística que parte de mi dimensión personal hacia la construcción consciente de la alteridad. El acto de tejer me ha llevado a ser consciente de mí ser social y político, de modificar mi lenguaje e interacción con los demás. El proyecto empezó siendo un ejercicio de darme cuenta paulatinamente de las personas que están a mí alrededor y que, sin saberlo, eran invisibles de mi realidad. Me confronte con los que consideraba otros, hecho que fui hilando para transformarlo. Punto a punto se fue bordando entonces, una postura ante el mundo, al reconocer el rostro del otro, cambiando mi postura ética, lenguaje y comportamiento. Uno no es consciente del otro, en sus dimensiones más profundas, hasta que se da cuenta de su existencia.

 

Lo que considero invisible se enmarca en el actuar social de la indiferencia, la indolencia, el menosprecio, el rechazo, la exclusión social y la aporofobia. El hecho que se vacié de significado, desde el lenguaje y desde el actuar social, a las personas por sus condiciones sociales de marginalidad, de pobreza monetaria y multidimensional me han llevado a concluir que existe una sociedad del desprecio que opera de manera estructural ante los que son considerados otros, a quienes se les puede adjudicar que son personas desechables, o como dice Rancière los sin parte o marginados; este conflicto se evidencia en el carácter diáfano de lo formal que adquiere los rostros de hilo, se necesita de un fondo que le dé contraste, existencia, para que uno se dé cuenta que están allí. Ante las instalaciones de los rostros volumétricos en hilo que levitan y se puede ver sus partes desde cualquier ángulo, utilizo el hilo para crear la capa exterior de las cabezas, evidenciando un interior vacío, en el que se nota la transparencia como elemento que enfatiza el carácter efímero de la escultura, permitiendo reconocer en ello a las personas invisibles y anodinas, que son olvidadas por esta indolente sociedad. Las instalaciones se disponen en el espacio a una altura promedio en la que los espectadores puedan estar ante un acto sumamente simbólico y humano, el de estar cara a cara con esos que son los otros.

Reseña Biográfica: mi mundo siempre ha girado en torno al arte; desde niño mis pensamientos determinaron el arte como un espacio único, en el que me encontraba conmigo mismo y creaba mis juegos, hasta volverse en mi sueño más grande. A medida que crecía el dibujo se consolidó como un acto místico, en este me refugiaba completamente y despertaba mi interior, daba solidez a mi vida y coherencia a mí realidad, llegué a concluir: el arte es mi obsesión dulce, mi lucha más férrea. Y ahora, que el mundo sigue un cauce entrópico, siento que estoy haciendo mi obra más madura, que a través del arte despierto mi ser político y social, un criterio que tanto creativo, plástico y teórico, sigue siendo mi manera de mirar, de vivir, de dar sentido y transformar la realidad.

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D-ESMAD

Autor: Santiago Sanchez Alvarez

Técnica: Instalación

Ciudad: Medellín

Descripcion: Construcción artística y denuncia de las continua violación de derechos humanos por parte del escuadrón móvil antidisturbios ( ESMAD) en el territorio colombiano, la obra se compone de un mapa digital didáctico en el cual se encuentran las denuncias desde su creación hasta nuestros días en diferentes lugares del territorio colombiano dando cuenta de dónde cuando y como ocurrieron los hechos, tan bien unas siluetas en pólvora conmemorativas por los asesinatos cometidos contra la población civil y una serie de dibujos alusivos en grafito y polvora.

Reseña Biográfica: Estudiante en formación de la universidad del valle en artes visuales.

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Villanueva Bugarte 2020

Cimarrones tradición señorial 

Autor: Luis Hernán Villanueva Domínguez

Técnica: Pintura

Ciudad: Buga- Valle 

Descripción: La representación afro en Buga corre por el transitar terrenal de nuestro Valle del Cauca. Dejando una huella imborrable que se convierte en una razón existencial. Agradecido con Dios por este patrimonio humano que llegó a las orillas de nuestro río Guadalajara y hechizó mi existencia, transformando día a día mi creación artística.  Con la mirada majestuosa de nuestros cimarrones que como un legado están en Buga, como un paraíso el cual solo ellos pueden vislumbrar….

Reseña Biográfica: Artista plástico de la ciudad de Buga, empezó su formación en colegio Académico de Buga con el profesor Miguel Ángel Mora, también realizó su formación temprana con el maestro Henry Vargas. Posteriormente realiza estudios de publicidad y se traslada a la ciudad de Bogotá para trabajar en el taller del maestro Jaime Cuartas.

Su trabajo se centra en conectar sus emociones y visiones a través de la plástica, vinculando las escenas cotidianas de su amada ciudad, en la que ha intervenido con un centenar de obras en diferentes espacios y formando a varias generaciones de amantes de la plástica.

Actualmente desarrolla su faceta como gestor cultural con su proyecto “Conga, Bongo y Carbón” donde vincula la música y la pintura. Y “Pintando el color y el sonido de mi pueblo” donde invita a reconocidos músicos a intervenir con él, en un proceso artístico en vivo”.

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